Jihyun Lee (b. 1979, Seoul, South Korea) is an artist based in New Haven, Connecticut. Working across painting, drawing, sculpture, and installation, she brings together fragments of personal and historical imagery through layers of memory, time, and everyday imagination, creating tactile spaces where different times and places coexist. Lee received her MFA in Fine Arts from the School of Visual Arts, New York, in 2018, and her MFA and BFA in Painting from Sungshin Women’s University, Seoul, in 2003 and 2001. Her solo exhibitions include Fantasma: Restless Silence at Arario Gallery, Seoul (2026); INTERSTICE at Ely Center of Contemporary Art, New Haven, CT (2025); Arario Gallery, Seoul (2022); Doosan Gallery, Seoul (2013) and New York (2012); and Arario Gallery, Beijing (2008). Her work has been presented in exhibitions at the Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield, CT (2026); NXTHVN, New Haven, CT (2024); Arario Gallery, Seoul (2024); Seoul Museum of Art; Busan Museum of Art; and Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art, Japan, among others.

ARTIST STATEMENT

My paintings begin with images that remain in memory. They come from different places and times, from everyday surroundings, photographs, objects, and fragments of scenes I have encountered. Rather than reconstructing a specific moment, I bring these images together so that different times and spaces can coexist within a single painting. Memory, for me, is never fixed. It shifts, overlaps, disappears, and returns in altered forms. After moving from Korea to the United States in 2010, this sense of distance became more present in my work. Places I had lived in and places I was living in began to overlap in my mind like the pages of a pop-up book. Around the same time, I began making small stuffed fabric forms that I call tactile drawings. These forms later entered my paintings, installations, and sculptural works, allowing images that had existed within the painted surface to extend into physical space. This became especially important in Re-portal, my second MFA thesis project, where I worked with tactile drawings, wood, welded metal, video, and other materials. Moving between painting and three dimensional space made me more aware of what painting itself could do. In physical space, we move around an object to see its different sides. In a painting, front and back, inside and outside, and different moments in time can appear simultaneously from a single viewpoint. My recent paintings continue from this idea. Canvases fold, open, overlap, and sometimes extend into the surrounding space. Raw canvas, painted surfaces, tactile drawings, and shaped structures meet within the same work. Although the physical form of my work continues to change, painting remains a place where I can bring together things that cannot occupy the same time or space in reality.

 —

이지현(1979년 서울 출생)은 미국 코네티컷주 뉴헤이븐을 기반으로 활동하는 작가이다. 회화, 드로잉, 조각, 설치를 오가며 기억과 시간, 일상적 상상의 층위 속에서 개인적이고 역사적인 이미지의 조각들을 겹쳐 나가고, 서로 다른 시간과 장소가 공존하는 촉각적인 공간을 만들어낸다. 뉴욕 스쿨 오브 비주얼 아트에서 순수미술 석사(2018)를, 서울 성신여자대학교에서 서양화 석사(2003)와 학사(2001)를 취득했다. 주요 개인전으로 아라리오갤러리 서울 《몽환서: 소란한 공백》(2026), 뉴헤이븐 일리 센터 오브 컨템포러리 아트 《INTERSTICE》(2025), 아라리오갤러리 서울(2022), 두산갤러리 서울(2013)과 뉴욕(2012), 아라리오갤러리 베이징(2008) 등이 있다. 주요 단체전으로 알드리치 현대미술관, 리지필드(2026), NXTHVN, 뉴헤이븐(2024), 아라리오갤러리 서울(2024)을 비롯해 서울시립미술관, 부산시립미술관, 일본 마루가메 겐이치로 이노쿠마 현대미술관 등에서 작품을 선보였다.

작가 노트

내 그림은 기억 속에 남아 있는 이미지에서 시작한다. 일상의 주변 풍경과 사진, 사물, 지나쳐 온 장면 등 서로 다른 장소와 시간에서 온 이미지들이다. 나는 하나의 특정한 순간을 재현하기보다 이 이미지들을 한 화면에 불러 모아 서로 다른 시간과 공간이 함께 존재하도록 한다. 나에게 기억은 고정되어 있지 않다. 서로 겹치고 사라졌다가 변형된 모습으로 다시 나타난다. 2010년 한국에서 미국으로 이주한 이후 이러한 거리감은 작업에서 더욱 분명해졌다. 내가 살았던 곳과 지금 살고 있는 곳의 이미지들이 머릿속에서 팝업북의 장면처럼 겹쳐지기 시작했다. 비슷한 시기부터 천을 꿰매고 솜을 채워 만든 작은 인형 형태의 오브제를 ‘만질 수 있는 드로잉’이라 부르며 제작하기 시작했다. 이 인형 형태의 드로잉들은 이후 회화와 설치, 조각 작업 안으로 들어오면서 화면 안에 머물던 이미지와 공간을 실제 공간으로 확장시키는 역할을 했다. 뉴욕 SVA에서 MFA 논문 프로젝트였던 Re-portal에서는 ‘만질 수 있는 드로잉’과 나무, 용접, 영상 등 다양한 재료들을 사용해 조각작업들을 실험했다. 회화와 실제 공간을 오가는 과정은 오히려 회화가 가진 특성을 더 분명하게 인식하게 했다. 실제 공간에서는 하나의 대상을 여러 방향에서 보기 위해 몸을 움직여야 하지만, 회화에서는 하나의 시점 안에서 앞과 뒤, 안과 밖, 서로 다른 시간의 장면들을 동시에 보여줄 수 있다. 최근 작업은 이러한 생각에서 계속 이어져, 캔버스는 접히고 펼쳐지고 겹쳐지며 때로는 주변 공간으로 뻗어나간다. 밑칠이 되어있지 않은 생캔버스 천과 채색된 화면, 만질 수 있는 드로잉과 형태를 가진 구조가 한 작업 안에서 만난다. 작업의 물리적인 형태는 계속 달라지고 있지만, 나에게 회화는 현실에서는 같은 시간과 공간에 존재할 수 없는 것들을 한곳에 불러 모을 수 있는 장소로 남아 있다